Елена Глазова: Фотожаба и муравьед на выставках С. -Петербурга

Постоянная экспозиция «Музей Людвига в Русском музее. Мировое искусство ХХ века: идеи и направления» в Мраморном дворце, филиале Русского музея представляется чем-то вроде экспресс-тура «от модернизма до постмодернизма».

МЕСТО

Мраморный дворец, памятник архитектуры XVIII в., находится на Дворцовой набережной Невы в историческом центре Санкт-Петербурга. Он был построен в 1768-1785 гг. по проекту итальянского архитектора Антонио Ринальди. Дворец возводился по заказу императрицы Екатерины II для ее фаворита, графа Г.Г. Орлова.

В декабре 1991 г. решением Мэрии Санкт-Петербурга дворец передали в распоряжение Государственного Русского музея. В Мраморном дворце размещается постоянная экспозиция «Музея Людвига в Русском музее» — собрание немецких коллекционеров Петера и Ирене Людвиг, передавших в дар Русскому музею свою коллекцию, в которой представлены произведения художников второй половины XX в.

Можно было бы назвать эту экспозицию «от Пикассо до Кунса», призвав имена двух коммерчески успешных значительных художников ХХ века, работами которых выставка начинается и заканчивается. Если в первом зале зрителя встречает крупноформатная модернистская работа Пикассо «Большие головы» (1969), немного давящая своей серьезностью и хрестоматийностью, то последний зал экспозиции отдан постмодернистически ироничным, сияющим херувимчикам Джефа Кунса («Херувимы», 1991 г.), с анахроническим голубым мишкой, подчеркивающим издевку над стилистической копией.

Кунс пытается обнажить механизм работы массового сознания — тривиализацию сакральных мотивов в бесконечном потоке тиражирования образов на почтовых открытках и плакатах.

Помимо Пикассо, в первом же зале вас ожидают масштабные полотна Сая Твомбли «Без названия» (1968) с процессуальными знаками — то ли буквами, то ли окнами, то ли развевающимися полотнищами — зрителю предстоит решить самому; «Руины»(1965) Роя Лихтенштейна — довольно монументальная работа со строгими античными формами, что еще больше подчеркивает стилистику типографического растра, характерного для мастера поп-арта; коллаж «Турецкие бани» Роберта Раушенберга (1967) — нечто вроде пазла для любителей искусства — стул Кошута на одалисках Энгра — сочетание концептуализма и поп-арта. В первом зале также находится совместная работа Энди Уорхола и Жан-Мишеля Баския «Без названия» (1984) — нечто вроде поединка двух художников — позволит зрителям задуматься о природе творческого процесса и о том, каким образом два художника могли работать над одним полотном.

Поп-арт Уорхола кажется подавленным бушующим неоэксперессионизмом Баскиа. Это полотно, как раз, на мой взгляд, выглядит чем-то вроде нокаута для Уорхола — его строгие коммерческие, шаблонные образы теряются на фоне разлива краски Баскиа.

В одном из последующих залов литературных гурманов привлечет двухсторонняя картина Long Time Tale To See (1987) Уильяма Берроуза, известного писателя. Композиция сделана на продырявленной при помощи выстрелов древесно–стружечной плите. Берроуз пытается уравнять обе стороны полотна, расшатать каноны станковой живописи, но при этом у него выходит работа, вписывающаяся в каноны последней.

Вдоль всей стены одного из промежуточных залов зрителя встречает инсталляция — коллекция фарфоровых миниатюр Гриши Брускина «Всюду жизнь» (1998-99), состоящая из

25 мини-скульптур, демонстрирующих архетипы индивидов советской эпохи, предъявляющих «атрибуты» своей деятельности (пионервожатый — громкоговоритель, партийный работник — портрет Сталина и т.д.). Миниатюрность фигурок и их игрушечный вид контрастируют с серьезностью темы антропологии советского индивида,

что, как правило, оказывает сильное эмоциональное воздействие на пост-советского зрителя, доставляя нечто вроде микро-катарсиса.

Работы живых классиков немецкой живописи Георга Базелица и Ансельма Кифера находятся в последующих залах. Диптих «Бутылка и орел» Базелица — масштабные неокспрессионистские полотна хрестоматийно перевернутых автором изображений. В этой работе буйство цвета доминирует над фигуративностью, как и в случае с полотном «Большой железный кулак Германии» Ансельма Кифера. Залы с эими работами доставят удовольствие любителям постфигуративной и абстрактной живописи.

Вся экспозиция музея Людвига в Мраморном музее представляется чем-то вроде экспресс-тура «от модернизма до постмодернизма», включая в себя авторов мирового масштаба первой величины, оказавших значительное влияние на развитие мирового искусства.  

Уорхол, Пикассо и другие звезды от искусства в тихих, величественных залах Мраморного дворца (музей никогда не переполнен, как в случае с Эрмитажем) с прекрасным видом на Неву и Петропавловскую крепость почти из каждого окна — звучит как must see!

«Гиперпрыжок и муравьед»

МЕСТО

Marina Gisich Gallery основана в 2000 году и является одной из старейших галерей города. Директор и основатель — Марина Гисич. Marina Gisich Gallery часто реализует совместные проекты с крупнейшими музеями, фондами и другими выставочными пространствами современного искусства в России и Европе. Галерея активно пропагандирует современное искусство из Петербурга как на российской и так международных сценах, часто принимает участие в международных ярмарках.

До 15 апреля в Marina Gisich Gallery проходит персональная выставка Ивана Горшкова «Гиперпрыжок и муравьед». Красочная тавтологическая история о гиперпрыжке и муравьеде поведана автором при помощи серии графики, живописи и объектов. Горшков работает в технике цифрового коллажа, комбинируя элементы живописи, принты, наклейки, создавая многослойные работы. Одна из отличительных особенностей художника — почти повсеместно вмонтированная «фотожаба», опять же цифровой коллаж.

Уже при открытии двери галереи зрителя поджидает ироничный «превед» — кинетический металлический объект, нечто вроде черного колобка на  длинных ножках, с время от времени дребезжащими усиками. Скульптура шумит,

неведомое насекомое перебирает усиками, вроде бы приветствуя вас и заставляя сразу же почувствовать себя чуть ли не в другом измерении, существующем по своим законам огромных металлических насекомых.

Яркие алогичные полотна Горшкова на первый взгляд выглядят чем-то вроде артефактов внеземной цивилизации. Хотя, если приглядеться получше, то можно разглядеть элементы «человеческой» жизнедеятельности — а именно лица людей, использованные как элементы для составления «фотожаб».

Тут зритель переводит дух — все же он на этой планете и в этом измерении.

Но дальше продолжает твориться несусветное — по углам юлят скалящиеся ярко-зеленые скульптуры-истуканы, залы оккупированы уж точно внеземными формами жизни — полуаморфными фигурами аляповатой расцветки в человеческий рост, глупо застывшими перед полотнами... В чувство зрителя приводят уже более привычные формы коллажей и размашистых дерзких принтов почти во всю стену.

Попытка включения «фотожаб» в живопись для художника является одним из приемов для нивелирования иерархии дигитального и традиционного искусства живописи, чем собственно и является вся выставка. Является такого рода художественная форма интеллектуальной игрой или фикцей — предстоит решить зрителю самому.

«Митин журнал»

ИЗДАНИЕ

«Митин журнал» — российский литературно-художественный журнал. Выходит  с января 1985 года. Основатель и главный редактор — Дмитрий Волчек. При журнале существует одноимённое издательство. Значительная часть его книг выпущена совместно с издательством Kolonna publications.

В книжном магазине «Порядок слов» 10 марта состоялась презентация нового, 69-го номера журнала, ориентированного на новаторскую, авангардную литературу —  «Митин Журнал». Номер представил один из авторов, прозаик и поэт Александр Ильянен, лауреат премии Андрея Белого в номинации «Проза» (2007). Вечер выглядел чем-то вроде воспоминаний «светской дивы» — живой классик Ильянен вспоминал авторов, некогда напечатанных в журнале, которых он имел честь лично знать, а также перебирал в памяти все связанные с ними моменты, попутно припоминая деятелей петербургской богемы — Тимура Новикова, Аркадия Драгомощенко, Владислава Мамышева-Монро и т.д.

Живое полотно культурно-исторической памяти расцветало перед слушателями, приправленное поэтическими цитатами из некогда напечатанного в журнале, прочитанными по экземплярам изданий, подаренных Ильянену самими авторами.

В яро цветущем оформлении свежего номера использованы работы поэта, художника Ярослава Могутина (Россия — США) — помещенный на обложку вуду-атлет в маске в виде большеногого паука, с сияющим красными стрелами сердцем на груди не оставит вас равнодушным! Номер включает в себя дневники Пола Боулза, рассказы Альфреда Честера и истории Мохаммеда Мрабета, сочинения Александра Ильянена, Александра Маркина и Ярослава Могутина, Маргерит Дюрас, Жоржа Батая и т.д.

Если окажетесь в Петербурге, журнал можно приобрести в магазине «Порядок слов» (набережная реки Фонтанки, 15), в Риге журнал нерегулярно появляется в магазине интеллектуальной литературы «Bolderāja» (Avotu, 29).

«Трансцендентная бездомность»

МЕСТО

 

Арт-Центр «Пушкинская-10» основан в 1989 г. благодаря возникновению сквота независимых художников, музыкантов и других деятелей андеграунда в расселенном петербургском доме по адресу Пушкинская улица, 10.

Усилиями членов альтернативного творческого союза — Товарищества экспериментального изобразительного искусства (ТЭИИ), возникший очаг независимой культуры получил организационное оформление и концепцию создания Центра современного искусства. Городские власти согласились на сохранение Арт-центра. Были осуществлены капитальный ремонт и реконструкция здания. В настоящее время «Пушкинская-10» — независимая творческая коммуна.

В арт-центре «Пушкинская-10» 11 марта открылась партия новых выставок. В Большом зале Музея нонконформистского искусства до 9 апреля можно посмотреть выставку «Транспозиции II: Наши пути к трансцендентной бездомности». Куратор выставки — Анастасия Пацей. 12 художников из разных стран мира, участники программы Санкт-Петербургской Арт-резиденции, пытаются найти ответ на вопрос — что означает для современного художника такое сложное и, одновременно, такое простое понятие как «дом»? Работы выставки различны по технике — видео-арт, инсталляция, фотография, графика, концептуальные работы, требующие вовлечение зрителя и т.д.

Один из объектов выставки, работа француженки Агаты Симон «Сердце — дом», задает вопрос зрителю — «чем для вас является дом» с просьбой взять карандаш и нарисовать линию своего сердцебиения. Инсталляция японца Нобушиге Коно «Человек с камерой в iPhone» исследует вопрос географического нахождения индивида и его перцепции внешнего мира —

будучи в любой точке планеты «человек с айфоном» может быть «прикрепленным» к камере, не воспринимая окружающую его реальность, а видя все через призму технического устройства.

Серия графических работ шведской художницы Дорны Асланзадех «Возвращая язык» является размышлением на тему языковой принадлежности индивида.

В числе других, открывшихся в этот день, выставок «Пушкинской-10» — «Нарцисс» Александры Большаковой (до 26 марта),  «Знаки на пути» Сергея Филатова (до 25 марта), «Свет» Дениса Александрова (до 9 апреля), «Путешествие с SELDUS» Олега Панова (до 9 апреля).

 

 

0
Добавить комментарий
Комментировать, используя профиль социальной сети
За эфиром
За эфиром
Новейшее
Популярное